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sábado, 31 de mayo de 2014

30 AÑOS DE VAN DYCK. RAFAEL CANOGAR: MEMORIA DE LIBERTAD.





"¡Treinta años en Van Dyck...! Me siento muy emocionada y quiero agradecer especialmente a mis padres, Alberto y Angelines, por su esfuerzo y dedicación. Ellos empezaron en un pequeño apartamento de la calle Ezcurdia y cuatro años más tarde decidieron trasladar su galería a un lugar más céntrico en la calle Menéndez Valdés. Luego, apareció -Propuestas Van Dyck- que ha albergado exposiciones, conferencias y charlas muy interesantes. Son muchas las experiencias que hemos vivido en estos treinta años, pero mucho el agradecimiento a todos vosotros: instituciones (Ayuntamiento, Principado), gente de la cultura, amigos y, como no, a nuestros artistas. Artistas de renombre que venían a Asturias y quedaban sorprendidos por su activa vida cultural, sus museos, teatros..., y con los que, a lo largo de todo este tiempo..., hemos logrado crear una gran familia de grandes amigos como Rafael Canogar, máximo exponente del arte contemporáneo que hoy expone en nuestras galerías". 

"Rafael Canogar ya había hecho dos monográficas en Van Dyck pero queríamos celebrar estos treinta años con una retrospectiva en la que hay piezas de su colección privada que nos ha dejado para poder compartirlas con todos vosotros. Le doy las gracias a Rafael Canogar por celebrar con nosotros este trigésimo cumpleaños, y por su esfuerzo de sumar a sus recientes exposiciones en Valencia (IVAM) y Madrid esta retrospectiva tan completa, que además de su obra abstracta incluye muestras de su arte figurativo y su época social. Para nosotros es un honor y un acontecimiento extraordinario que nadie debe perderse"

Mª Aurora Vigil-Escalera
Directora de -Sala de Arte Van Dyck- y de -Propuestas Van Dyck-.



"Mi recuerdo es hoy para mi esposa, Angelines, que durante veintidós años fue la directora de Van Dyck. Me siento feliz de haber conseguido crear una galería muy ecléctica, abierta a todos los campos y con especial incidencia en el arte contemporáneo".

Alberto Vigil-Escalera.
Fundador de Van Dyck.



"Enhorabuena a todo el equipo de Van Dyck por este trabajo de treinta años. Os deseo otros treinta de crecimiento y proyección. Quiero agradeceros desde el Ayuntamiento y por parte de los ciudadanos de Gijón por todas vuestras iniciativas de colaboración con nosotros".

José Carlos Rubiera
Concejal Delegado de Educación, Cultura, Juventud y Festejos.



"Me siento muy honrado por estar en esta exposición que celebra los treinta años de Van Dyck. El reto era difícil. Estudié muy bien los planos de las dos galerías. Cada obra necesita su espacio y no se pueden agobiar las paredes con grandes cuadros, sino más bien..., hemos buscado una alternancia entre grandes formatos y pequeños dibujos. Hay obras muy importantes que explican mis diferentes etapas. Fue un privilegio formar parte del Grupo El Paso. La mayor parte han desaparecido, quedamos solo tres... Todos han dejado una obra muy importante. El tiempo y la historia van colocando a cada uno en su sitio".

Rafael Canogar
Pintor, escultor y grabador.



"Es un lujo que una sala de arte asturiana cumpla treinta años. Enhorabuena por el esfuerzo. Hoy confluyen dos trayectorias que se cruzan y se relacionan: Canogar con más de sesenta años en la pintura y Van Dyck con treinta años de ejercicio. En ambos hay persistencia y confianza en lo que se hace, capacidad de evolución y de aprendizaje... Variedad y multiplicidad es una de las características del trabajo de Canogar, pero también de Van Dyck. La muestra que vemos hoy en -Sala de Arte Van Dyck- y en -Propuestas Van Dyck- contiene cincuenta y cinco años de trabajo que supone un privilegio, pues muchas de estas obras solo se hubieran podido ver en instituciones culturales y museos sin la intimidad y la proximidad que existe en una galería de arte".

Juan Carlos Gea
Escritor y periodista.



"Cuando se contempla retrospectivamente la obra que ahora realiza Rafael Canogar, después de dejar tras de sí una trayectoria que se dilata ya más de medio siglo [...], no solo se siente admiración por lo mucho y bueno que ha realizado en esta labor sin desmayo, sino un cierto vértigo al hallar en lo que ahora pinta, como en un compendio revelador, los trazos de lo que ha hecho casi desde que empezó hacerlo. [...] Porque, en cierta manera, como les suele ocurrir a los artistas que logran serlo hasta el final, la obra de su madurez constantemente nos remite y nos explica todo desde el principio, desde los primeros pasos de esa aventura aún felizmente inacabada y, por tanto, constantemente recomenzada"

Francisco Calvo Serraller
Historiador, ensayista, crítico de arte y catedrático universitario.





Hay fechas especiales que es obligación conmemorar por su importancia, trascendencia o simplemente, que no es poco..., por cuestiones sentimentales. Veintitrés de mayo de 2014, el equipo Van Dyck, con Mª Aurora Vigil-Escalera y sus padres Alberto y Angelines a la cabeza, celebra su treinta aniversario. Años de trabajo en pro del arte y de la cultura, desde aquellos arriesgados inicios en la calle Ezcurdia hasta un presente glorioso en el que Van Dyck se ha convertido en uno de los espacios culturales de mayor prestigio en España. Desde "No soy digno de tu amor" os felicitamos por vuestra impecable trayectoria, por todos estos años de éxito y os deseamos mucha suerte para ese futuro inmediato en el se intuyen cambios y novedades.






Fotografía 1417.- Mª Aurora Vigil-Escalera & Luis Alberto. Nano Méndez. "Una visión retrospectiva. Obras de 1958 a 2013". Propuestas Van Dyck. Gijón, 2014.






Fotografía 1416.- De izq. a drcha.: Luis Alberto & Alberto Vigil-Escalera & Rafael Canogar. (x). "Una visión retrospectiva. Obras de 1958 a 2013". Propuestas Van Dyck. Gijón, 2014.





En junio de 1984, los fundadores de -Sala de Arte Van Dyck- trasladaron su colección al número veintiuno de la calle Menéndez Valdés de Gijón, y con ella se trajo todas sus ilusiones y su fe inquebrantable en un proyecto. Treinta años después, el proyecto es una realidad con historia y futuro, una referencia incuestionable dentro del panorama artístico asturiano y español, que ha crecido en dimensión y prestigio y con sus puertas abiertas a todos los ciudadanos y visitantes que sientan pasión por la pintura y las artes. 

Este mes de junio está en el centro literal y simbólico de un año especial, marcado con letras de oro en el calendario Van Dyck: la muestra "Canogar, una visión retrospectiva" ocupa todo el espacio expositivo del que disponen repartido entre dos salas. Un despliegue sin precedentes, a la altura de la ocasión y de un artista del calado de Rafael Canogar. Su obra, revolucionaria en los aspectos técnico y procesual pero con un fondo poético que trasciende épocas, representa a la perfección el espíritu de las vanguardias. Reacio a dormirse en los laureles y vivir de las glorias pasadas, Canogar no ha dejado de crecer y ponerse a prueba, siempre en busca de nuevas formas y significados. La calidad que ha mantenido a lo largo de una carrera tan dilatada quedan patentes en la selección de obras que ofrece esta retrospectiva, que demuestra que mantiene el vigor pictórico e intelectual de su trabajo y conserva toda la vitalidad y vigencia de los años del Grupo El Paso.






Fotografía 1415.- De izq. a drcha.: Alberto Vigil-Escalera & Mª Aurora Vigil-Escalera & Rafael Canogar & Juan Carlos Gea. "Una visión retrospectiva. Obras de 1958 a 2013". Propuestas Van Dyck. L.A.F.G. Gijón, 2014.






Fotografía 1414.-  De izq. a drcha.: Rafael Canogar & Juan Carlos Gea. "Una visión retrospectiva. Obras de 1958 a 2013". Propuestas Van Dyck. L.A.F.G. Gijón, 2014. 






Fotografía 1413.- Público asistente a la inauguración de la exposición "Una visión retrospectiva. Obras de 1958 a 2013". Propuestas Van Dyck. L.A.F.G. Gijón, 2014.





La exposición "Rafael Canogar: Una visión retrospectiva", es la tercera monográfica del artista manchego en Van Dyck, además de las innumerables exposiciones colectivas que a lo largo de los años han contado con obras suyas. Por su veteranía e importancia podemos decir que se trata de uno de los creadores más representativos de la galería. En una ocasión como ésta, presentar una selección de obras de un periodo tan amplio (de 1958 a 2013) es al mismo tiempo un reconocimiento a un artista irrepetible: "Mi etapa informalista, estilo del que me enamoré en mi primer viaje a París, me permitía expresarme con la libertad que yo quería. Era una forma de plasmar la libertad del hombre, el deseo de vivir en un entorno democrático que en ese momento no teníamos. El informalismo también me acercaba a una expresión plástica. Son obras pintadas directamente con las manos, haciendo evidente su presencia, dejando surcos, como cuando de pequeño veía a esos castellanos trabajar la tierra. Después colocaba el cuadro en el suelo y echaba la pintura por encima para que penetrara en esos surcos como hace el agua de la lluvia en la tierra".






Fotografía 1412.- Pintura nº 24. Rafael Canogar, 1958. Óleo s/l. 162 x 130 cm. "Una visión retrospectiva. Obras de 1958 a 2013". Propuestas Van Dyck. Gijón, 2014.





"Sobre la superficie del lienzo quería dejar memoria de libertad. Era el informalismo que nacía en España después de un periodo de ausencia total de arte contemporáneo en España porque la Guerra Civil, rompió todas las conexiones. Recibíamos muy poca información del exterior. El nombre de Picasso estaba prohibido. Cuando el Grupo El Paso y otros más convencimos para llevar el joven arte español a la Bienal de Venecia, que era el máximo escaparate del arte contemporáneo, fue una sorpresa para todo el mundo pues descubrieron un grupo con una estética muy actual y con grandes personalidades. Había autenticidad en nuestra pintura y tuvo mucho éxito, pasando de la completa ignorancia a nuestra obra y no vender ni un cuadro, que nos daba igual pues defendíamos el arte como si fuese una religión,  a un gran interés y a venderlo todo. En 1958 contacto con un galerista y luego a EEUU...".

"En el informalismo europeo, expresionismo abstracto americano, se hicieron obras fantásticas..., pero en algún momento a mediados de los sesenta se tomó una dirección equivocada. Primaba más la idea de hacer cosas nunca vistas que la calidad de la obra. Era necesario recomenzar pues ya se había hecho todo. De esta manera, empezaron a surgir nuevas ideas. En EEUU se usó la imagen fotográfica incorporándola a la pintura y se empezaron a romper los compartimentos de las diferentes manifestaciones artísticas. En mi caso me permitió experimentar con las tres dimensiones y crear obras entre la pintura y la escultura. Después de ocho o nueve años pintando mucho, llegó el momento que de tanto repetir podía hacer perder mi credibilidad y entrar en la retórica. Tenía que reinventar mi trabajo para darle más intensidad y recuperar esa libertad. Dejé la pintura y me pasé a la escultura, con la que intentaba realizar un diálogo con el espectador, acercarme a él y reflexionar sobre la lucha del hombre. Fue un periodo de búsqueda y de crear totalmente diferente. Formas espontáneas en el que las figuras irrumpían en el espacio físico del espectador. El poliéster me permitía que la ropa quedase rígida y lograse esa tercera dimensión. Me gusta arriesgar y evolucionar pues cuando uno ya tiene dominado un lenguaje, empieza a perder intensidad".






Fotografía 1411.- La herida. Rafael Canogar, 1974. Técnica mixta. 164 x 130 cm. "Una visión retrospectiva. Obras de 1958 a 2013". Propuestas Van Dyck. Gijón, 2014.





"En 1974, necesitaba volver a la pintura... Todas aquellas ropas auténticas que yo empleaba para crear mis figuras tridimensionales, empecé a estirarlas buscando la bidimensionalidad. Después de ese periodo realista hice una reflexión y volví a cubrir la superficie de la tela pero de una manera más sosegada que en mi etapa informalista anterior. Después de dejar la escultura, hice muchos cuadros negros y poco a poco fui necesitando incluir imágenes muy sencillas y color. Soy muy trabajador. Hay años en los que puedo pintar más de cien cuadros y en otros quince. Soy muy irregular. Hay veces que acabo un cuadro y empiezo otro. Soy de los que considero que los artistas con poca obra tienden a desaparecer".






Fotografía 1410.- Matinal Urbano. Rafael Canogar, 1990. 193 x 122 cm. "Una visión retrospectiva. Obras de 1958 a 2013". Propuestas Van Dyck. Gijón, 2014. 





"El año 1992 es muy importante porque inicio otro periodo en el que prima la idea de construir el cuadro. Como un lienzo no podía trocearlo, pedí que me hiciesen un papel hecho a mano de lino y celulosa. Este papel lo troceaba y los trozos resultantes los volvía a formar. Esta idea es una constante del ser humano... construcción-deconstrucción. Finalmente, pintaba objetos simples sobre el papel. Me gustaba el tema de dejar huella, restos, presencia, señales, marcas... El hombre siempre deja huella, Pompeya... Luego también volví a introducir ropas que ya había usado en mi etapa realista. Necesité volver a lo esencial, a lo carnal de la materia, a emplear un lenguaje muy elemental, más sosegado, más trascendental, un lenguaje de síntesis".

"En la pintura actual hay mucha confusión. Los artistas quieren llegar muy rápido y a veces los ciclos son tan cortos que se llega tarde. Hay demasiada obsesión por hacer cosas que impacten. Los artistas han perdido algo de independencia y para mí es esencial. Yo siempre me quedaré con los artistas independientes que nacieron con el impresionismo. El arte actual se hace hoy porque antes hubo gente como Goya y Velázquez. El arte es una línea ondulante y tiene mucho que ver con lo que se hizo antes. El conocimiento de lo anterior te ayuda a resolver una obra y no hay que olvidar que la abstracción siempre ha existido en cualquier obra figurativa. El empleo del negro en mis obras es porque es la forma de expresión más espontánea  que tengo y luego, a través del negro..., pues inconscientemente enviaba un mensaje de la situación tan lastimosa en que se encontraba España antes del año 1975".





 NOTAS DE CANOGAR PARA SU EXPOSICIÓN EN VAN DYCK


  • Entiendo que la gran revolución estética, que podríamos datar sobre los años cincuenta, llevó a la pintura a un espacio fundamental para entender el arte emancipado de muchas servidumbres, y al entendimiento de la pintura como entidad en sí misma, donde estaban claramente diferenciadas las diversas formas de crear arte: la pintura, la escultura, el diseño, la música, la fotografía, etc., y otras áreas no tan claramente aceptadas como arte, como por ejemplo la decoración y el espectáculo. Ese fue el marco estructural del arte y que los artistas de vanguardia desestructuraron poco a poco, paso a paso. 
  • Los primeros años de expresionismo abstracto, o informalismo, fueron años fantásticos según mi opinión, con una dimensión de trasgresión e invención, al mismo tiempo que poética profundidad como pocas veces haya ocurrido en la historia del arte. Se incorporaron técnicas y dimensiones nuevas, que llevaron al arte a cotas de libertad inimaginables. Pero esa libertad, terminaría siendo una trampa. La salida a su crisis fue buscar nuevas fronteras todavía inéditas, nuevas vanguardias que derribaron todos los límites entre las compartimentadas formas de crear arte hasta entonces. Yo mismo, por necesidades expresivas, necesité abandonar la bidimensionalidad de la tela y las herramientas de la pintura. 






Fotografía 1409.- Antesala. Rafael Canogar, 2007. Técnica Mixta. 150 x 120 cm. "Una visión retrospectiva. Obras de 1958 a 2013". Propuestas Van Dyck. Gijón, 2014. 





  • Creo innecesario hacer un resumen de la historia del arte, cuyo mapa tenemos todos delante; está claro como el artista ha ido sistemáticamente intercomunicando las diversas formas de creación, así como la incorporación de otras dimensiones como el paisaje o naturaleza con el Land-Art, o el tiempo, con el video-arte, o el nuevo concepto "arte total" de Fluxus. Hemos vivido un fascinante viaje, lleno de sorpresas, de hallazgos, de intensas vivencias y nuevos lenguajes, que ha hecho nuestro mundo mucho más rico de imágenes, a veces de pureza y otras, no menos intensas, de buscadas impurezas. Pero quizás ahora toca la de reivindicar la pintura como alternativa de vanguardia, frente al agotado mundo de la trasgresión, sin otro fin que su propio exceso. 
  • Creo que ha tocado el momento de rescatar el espacio de la pintura, recuperar su dimensión poética y metafórica, su capacidad de ilusionarnos, de enamorarnos, de vibrar de nuevo con ese espacio de la pintura, de la buena pintura. Retomar el hilo del discurso de la pintura pura, nada más que de la pintura y su capacidad de comunicación, ¡nada más! ¡Y nada menos! Pero quizás no se trate solo de recuperar la pintura, es la independencia, la libertad de pensamiento, la ética, lo trascendente, lo sublime: reinventar la pintura quizás. 
  • Todavía no tengo la perspectiva suficiente ni las definiciones exactas para definir mis nuevas obras, que han nacido sobre todo por necesidad física, desde mis entrañas, intuitivamente. Solo a posteriori, en cualquiera de mis cambios, he puesto palabras a mi trabajo, a mis cambios, a mis búsquedas y encuentros. ¿Estoy ahora frente a un nuevo cambio?, yo no lo creo, pero de cualquier forma, lo que sea, ha nacido de un artista con muchos años de trabajo. Con una trayectoria que es, en sí misma, un tema de análisis y trabajo para mi. Decía Rothko: "El curso de la obra de un pintor a medida que avanza en el tiempo, debe tender hacia la claridad, hacia la eliminación de los obstáculos, a menudo obstinado entre el pintor, la idea y el espectador". Yo entiendo que mis nuevos cuadros están más en esa esfera, de la evolución, de síntesis de mis abstracciones. 






Fotografía 1408.- Cabeza. Rafael Canogar, 2011. P./A., 7/3, 31 x 23,5 x 18, 5 cm, bronce patinado. "Una visión retrospectiva. Obras de 1958 a 2013". Propuestas Van Dyck. Gijón, 2014.  





  • En los últimos años he trabajado con lo que podríamos definir como "fragmentaciones" y la ruptura del concepto virtual del espacio, de la ventana, que es fragmento, una decisión de renunciar al resto. Ahora tengo que hablar de la recuperación de la pintura, del espacio pictórico bidimensional - que no el espacio virtual – que plantea otra relación, la infinitud, la naturaleza como proceso. Morfogénesis, la naturaleza como un todo sublime, una pintura que ni idealiza la naturaleza ni la reproduce como mero fragmento, sino que se concibe como proceso. 
  • La pintura - porque este es el tema de la nueva obra - no es fácil de entender, sobre todo si es abstracta. No es fácil de penetrar las estructuras más profundas y definitorias de las artes plásticas, cuya comprensión sigue siendo un tema pendiente para una mayoría. ¿Podemos entender una flor?, preguntaba un famoso compositor respondiendo a la dificultad de entender cierta música. Y escuchándole me daba cuenta de la similitud de los lenguajes: música y pintura. Si la música es una experiencia auditiva en el tiempo y el espacio, también la pintura es una experiencia visual. Acción que nos obliga a mirar el objeto pictórico sin prejuicios anticipados, de cómo tiene que ser la pintura, a sensibilizar nuestra mirada, como el oído para la música. Y si he puesto cierto énfasis en el concepto de recuperación ha sido, sobre todo, por marcar distancias con un arte que ha negado la pintura como herramienta de trabajo. "Estamos estancados en las ideologías del siglo XX", como dice Gao Xingjian, y tenemos que poner en marcha un nuevo pensamiento, un nuevo "renacimiento" para afrontar esta nueva realidad.






Fotografía 1407.- Ceja. Rafael Canogar, 2011. Díptico. Óleo s/l. 194 x 130 cm. "Una visión retrospectiva. Obras de 1958 a 2013". Propuestas Van Dyck. Gijón, 2014. 





  • Los artistas tenemos formas o términos muy elocuentes y contundentes cuando hablamos de arte, quizás oscuros para la mayoría El artista de Koonnig decía que él destruía los cuadros si no "funcionaban". "A veces existe una idea previa, que a menudo más que una idea es un deseo, una voluntad, aquello que hay antes de que empiece a nacer la obra, algo que aporte algo de luz, algo que se aguante, que respire…", escribió Rafols-Casamada; ¡que respire!, efectivamente, un cuadro no es otra cosa que pigmentos de color sobre una superficie. Nada más que eso, hasta que empieza respirar, hasta que nace, hasta que encuentra vida propia y nos hable, hasta que conteste a nuestras preguntas. 
  • Me gustaría decir que mis cuadros actuales no son otra cosa que pinturas como entidad en sí misma. Una pintura desnuda, sin concesiones ni guiños, (como fue el informalismo). Una pintura radical y esencial. Pero sin duda surgen asociaciones, ya Zola dijo que “una obra de arte es un rincón de la creación vista a través de un temperamento”






Fotografía 1406.- Luis Alberto. Al fondo: Personaje nº8. Rafael Canogar, 1961. Óleo sobre tela. 162 x 130 cm. "Una visión retrospectiva. Obras de 1958 a 2013". Propuestas Van Dyck. Nano Méndez. Gijón, 2014. 





NOTAS:

La exposición "Rafael Canogar. Una visión retrospectiva. Obras de 1958 a 2013", se encuentra en la -Galería Van Dyck- (C/ Menéndez Valdés, 21) y en -Propuestas Van Dyck- (C/Casimiro Velasco, 12). Podrá visitarse hasta el 5 de julio de 2014. Consultar horarios. 

Todos los derechos reservados. Este post (textos y fotografías) no pueden, ni en todo ni en parte, ser distribuidos, reproducidos, comunicados públicamente, tratados o en general utilizados, por cualquier sistema, forma o medio, sin autorización previa y por escrito de su autor, aun citando la procedencia.

Las fotografías números: 1407, 1408, 1409, 1410, 1411 y 1412, han sido cedidas por Mª Aurora Vigil-Escalera. 
Las fotografías números: 1406, 1413, 1414, 1415, 1416 y 1417, fueron realizadas el día 23 de mayo de 2014 en -Propuestas Van Dyck-. Pertenecen al Archivo particular de Luis Alberto Fernández González.

Precios de las obras que aparecen en este post, consultar en la Sala de Arte Van Dyck.


Textos:

Catálogo de la exposición "Rafael Canogar. Una visión retrospectiva. Obras de 1958 a 2013".
Presentación (Mª Aurora Vigil-Escalera & Alberto Vigil-Escalera & José Carlos Rubiera & Juan Carlos Gea & Rafael Canogar) y posterior charla (Rafael Canogar & Juan Carlos Gea) organizada con motivo de la inauguración de la exposición "Rafael Canogar. Una visión retrospectiva. Obras de 1958 a 2013".


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Ya estoy en Twitter @NSDDTA, en Instagram nosoydignodetuamor y en Google + Luis Alberto Fernández González "No soy digno de tu amor".


Más información:

http://www.rafaelcanogar.com/


Agradecimientos: 

Mª Aurora Vigil-Escalera, Alberto Vigil-Escalera, Angelines Pérez, y a todo su equipo (Bea, Dani). Enhorabuena y felicidades por vuestro treinta aniversario lleno de éxitos y belleza. Un orgullo sentiros tan cerca. Un beso muy fuerte.

Juan Carlos Gea y Nano Méndez. 

Rafael Canogar. ¿Por qué a los Grandes siempre se les entiende? ¡Gracias Maestro!





¿Te gusta la obra de Rafael Canogar?, ¿sabías que está considerado como uno de los artistas más relevantes de España? ¿Qué opinas de las obras que aparecen en este post? ¿Te atreverías a realizar una pequeña crítica? ¿Prefieres el arte abstracto o figurativo?, ¿por qué? ¿Te sientes intimidado ante una pintura abstracta? ¿Debe un artista reinventarse? ¿Sueles visitar a menudo galerías de arte/museos? ¿Conoces la -Sala de Arte Van Dyck- y -Propuestas Van Dyck-? ¿Cómo valorarías el nivel de las galerías de arte que hay en nuestra región? 




domingo, 25 de mayo de 2014

ALBERTO FERNÁNDEZ VELASCO: SENSIBILIDAD Y PASIÓN POR LA GAITA Y LA CULTURA ASTURIANA.






"Alberto Fernández Velasco es el constructor de gaitas con mayor reconocimiento en el mundo de la gaita y la música tradicional. Consiguió crear un estándar de afinación para la gaita que le permite tocar sin desafinar con otros instrumentos y con otras gaitas que hasta ese momento no se había logrado. La placa en su honor en el Muséu del Pueblu d'Asturies es una forma de reconocer y homenajear su importante trabajo en pro de la cultura tradicional asturiana".

Juan Alfonso Fernández García
Director del Museo de la Gaita.



"Mi padre no contaba con morise y quejábase de dejar el libro de la vida sin terminar... Tenía todavía muchos proyectos y, realmente..., hizo coses muy importantes en el mundo de la gaita. Lo de darse importancia pública no iba con él. Empezó a interesarse por la gaita desde muy rapacín en una época muy fastidiada  y sin contar con apoyos, pero como era muy terco..., siguió y siguió hasta crear su propia gaita. Gozaba de una gran sensibilidad tanto personal como musical y fue un profesional de oficio pues era un ebanista de gran precision. Hoy estará feliz al saber que una de sus gaitas está en este museo tan entrañable".

Alberto Fernández Varillas
Hijo de Alberto Fernández Velasco. Profesor en la Escuela de Música Tradicional "Teixo-Manolo Quirós".






Fotografía 1405.- Alberto Fernández Velasco tocando su primera gaita en 1958. (x). Muséu del Pueblu d'Asturies. Gijón, 2014.





El pasado viernes, día veintitrés de mayo de 2014, el Muséu del Pueblu d'Asturies rindió un merecido homenaje al artesano fabricante de gaitas, Alberto Fernández Velasco (1942-2011), en el que se descubrió una placa en su memoria y se presentó al público una de las primeras gaitas que salieron de su taller, realizada de ébano de Mozambique y con incrustaciones de marfil, cedida al Museo de la Gaita por sus familiares. El emotivo acto, contó con la presencia de María del Carmen Varillas García y Alberto Fernández Varillas, viuda e hijo de Alberto Fernández Velasco, y sus nietos Gael y Adriana Fernández; José Carlos Rubiera Tuya, Concejal Delegado de Educación, Cultura, Juventud y Festejos; Xosé Nel Riesgo Fernández, director de la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular de Gijón y la Asociación de Vecinos San Jorge de Santurio (Gijón), localidad de la que Alberto Fernández Velasco era vecino y en la que había instalado su taller, que fueron los que plantearon en su día la posibilidad de materializar su reconocimiento a su persona y su trayectoria profesional. 

Una mañana de recuerdos, nostalgia y emoción para recordar a una figura clave de la música tradicional asturiana y mejor persona, como nos recordaba su amigo del alma, Manuel García Miranda, quien recitó un poema que había compuesto en su honor: "Conocí a Alberto en la mili, fuimos muy amigos y me siento muy orgulloso de haberlo sido hata el final de sus días...". Amistad, armonía, respeto, admiración...






Fotografía 1404.- Casa de los González de la Vega (Museo de la Gaita). L.A.F.G. Muséu del Pueblu d'Asturies. Gijón, 2014.






Fotografía 1403.- De izq. a drcha.: 
Xosé Nel Riesgo Fernández, director de la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular de Gijón; Alberto Fernández Varillas, hijo de Alberto Fernández Velasco; Juan Alfonso Fernández García, director del Museo de la Gaita; y  José Carlos Rubiera Tuya, Concejal Delegado de Educación, Cultura, Juventud y Festejos. L.A.F.G. Muséu del Pueblu d'Asturies. Gijón, 2014. 






Fotografía 1402.- Inauguración de la placa en honor a Alberto Fernández Velasco (I). En el centro de la imagen, 
María del Carmen Varillas García, viuda de Alberto Fernández Velasco. A su drcha., José Carlos Rubiera Tuya, Concejal Delegado de Educación, Cultura, Juventud y Festejos. A su izq., Juan Alfonso Fernández García, director del Museo de la Gaita. Elena Pérez Morán. Muséu del Pueblu d'Asturies. Gijón, 2014.






Fotografía 1401.- Inauguración de la p
laca en honor a Alberto Fernández Velasco (II). Elena Pérez Morán. Muséu del Pueblu d'Asturies. Gijón, 2014. 





El fallecimiento de Alberto Fernández Velasco ha constituido un acontecimiento de notable repercusión en el ámbito de la cultura asturiana y especialmente en el de la música tradicional, en el cual gozaba de una excelente reputación debido a su dilatada carrera como artesano fabricante de gaitas, destacando los instrumentos que llevan su firma por la calidad de su factura, por su precisa afinación y por su excelente tímbrica, logrando compatibilizar con éxito los rasgos más tradicionales de la sonoridad de las gaitas asturianas con los estándares acústicos de nuestro tiempo.

Aunque en su familia no había tradición musical, Alberto Fernández Velasco se aficionó a la música asturiana siendo muy joven, comprando su primera gaita cuando tenía dieciséis años. En 1968 se trasladó a Gijón para trabajar como ebanista, oficio que abandonaría para dedicarse a la gaita, haciendo la primera en 1979 según el modelo tradicional del reputado artesano Ántonio Álvarez Vega, "Cogollu", del concejo de Las Regueras.






Fotografía 1400.- G
aita realizada por Alberto Fernández Velasco. Fue una de las primeras que salieron de su taller, realizada de ébano de Mozambique y con incrustaciones de marfil, cedida al Museo de la Gaita por sus familiares. L.A.F.G. Museo de la Gaita. Muséu del Pueblu d'Asturies. Gijón, 2014.






Fotografía 1399.- Presentación de la g
aita realizada por Alberto Fernández Velasco. L.A.F.G. Museo de la Gaita. Muséu del Pueblu d'Asturies. Gijón, 2014.






Fotografía 1398.- De izq. a drcha.: Alberto Fernández Varillas, María del Carmen Varillas García, Luis Alberto Fernández, Adriana y Gael Fernández. Juan Alfonso Fernández García. 
Museo de la Gaita. Muséu del Pueblu d'Asturies. Gijón, 2014.





Convencido de que el puntero de la gaita necesitaba mejorar en lo referente a su sonoridad, comenzó a investigar en el campo de la acústica para desarrollar instrumentos que, conservando la característica sonoridad de las antiguas gaitas asturianas, siguieran criterios académicos en lo referente a su afinación. Hizo su primer puntero con escala temperada en 1985 y, desde entonces, sus gaitas se convirtieron en las preferidas de muchos gaiteros solistas, estando presente en buena parte de las ediciones del Festival Intercéltico de Lorient desde 1986. Su mayor innovación fue el puntero cromático de dos octavas, desarrollado a partir de 1988. 






Fotografía 1397.- Alberto Fernández Velasco. Muséu del Pueblu d'Asturies. Gijón, 2014.






Fotografía 1396.- Alberto Fernández Varillas (izq.) & Luis Alberto (I). Muséu del Pueblu d'Asturies. Leticia Blanco. Gijón, 2014.






Fotografía 1395.- 
Alberto Fernández Varillas (izq.) & Luis Alberto (II). Muséu del Pueblu d'Asturies. Leticia Blanco. Gijón, 2014.





Su trabajo alcanzó en 1993 el reconocimiento de la Consejería de Educación, Cultura, Deportes y Juventud del Principado de Asturias, a través del dictamen de una mesa de expertos reunida para valorar sus instrumentos y formada por Leoncio Diéguez Marcos, Miguel Fernández Gutiérrez y Manuel Fernández Avello, en su calidad de miembros del Conservatorio Superior de Música "Eduardo Martínez Torner".






Fotografía 1394.- El director del Museo de la Gaita, Juan Alfonso Fernández García, muestra a los vecinos de 
la Asociación de Vecinos San Jorge de Santurio (Gijón), la colección de instrumentos tradicionales del Museo de la Gaita. L.A.F.G. Museo de la Gaita. Muséu del Pueblu d'Asturies. Gijón, 2014.






Fotografía 1393.- Juan Alfonso Fernández García, director del Museo de la Gaita con los 
vecinos de la Asociación de Vecinos San Jorge de Santurio (Gijón). L.A.F.G. Museo de la Gaita. Muséu del Pueblu d'Asturies. Gijón, 2014.





En los últimos momentos de su vida, Alberto Fernández Velasco continuaba trabajando en algunos aspectos técnicos de la gaita, destacando entre sus proyectos la gaita de afinación variable, que reunía todas las innovaciones surgidas de sus investigaciones. Tenía el deseo de que la gaita se pudiera tocar con normalidad con los otros instrumentos musicales, que quedara establecida como materia de estudio en el Conservatorio, que se compusieran obras nuevas para ella y que se desarrollara una sensibilidad social hacia las personas que le dedican sus esfuerzos. Es opinión general que Alberto Fernández Velasco marcó en los años ochenta un punto y aparte en la historia de la gaita asturiana. El mayor reconocimiento popular que le dieron fue calificarlo de "Stradivari de la gaita".






Fotografía 1392.- 
Alberto Fernández Varillas (drcha.) & Luis Alberto (III). Muséu del Pueblu d'Asturies. Juan Alfonso Fernández García. Gijón, 2014.





NOTAS:

Textos:

Juan Alfonso Fernández García, Alberto Fernández Varillas y Manuel García Miranda para "No soy digno de tu amor".
"Alberto Fernández Velasco". Textos cedidos por Juan Alfonso Fernández García.

Las fotografías números: 1397, 1401, 1402 y 1405, han sido cedidas por el Muséu del Pueblu d'Asturies.

Las fotografías números: 1392, 1393, 1394, 1395, 1396, 1398, 1399, 1400, 1403 y 1404, han sido realizadas el día 23 de mayo de 2014 en el Muséu del Pueblu d'Asturies, con motivo del homenaje a Alberto Fernández Velasco. Estas fotografías pertenecen al Archivo Particular de Luis Alberto Fernández González.

Todos los derechos reservados. Este post (texto y fotografías) no pueden, ni en todo ni en parte, ser distribuidos, reproducidos, comunicados públicamente, tratados o en general utilizados, por cualquier sistema, forma o medio, sin autorización previa y por escrito de su autor, aun citando la procedencia.

Todos los domingos, a las 12:00 horas, se realiza una visita guiada gratuita en el Muséu del Pueblu d'Asturies. ¡Anímate!


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Más información en:

http://museos.gijon.es/page/5285-museu-del-pueblu-d-asturies


Agradeciemientos:

Elena Pérez Morán, Juan Alfonso Fernández García, Manuel García Miranda y Leticia Blanco. ¡Gracias amigos/as por vuestra colaboración en este post.

María del Carmen Varillas García y Alberto Fernández Varillas. Mi compromiso de que todos los escolares y visitantes del Museo de la Gaita recuerden la figura de vuestro esposo/padre y valoren su contribución al mundo de la gaita y de la cultura asturiana. Un honor rendir homenaje a Alberto Fernández Velasco en "No soy digno de tu amor". Un abrazo muy fuerte y muchas gracias por vuestra amabilidad y cariño.





¿Conoces el Museo de la Gaita (Casa de los González de la Vega)?, ¿sabías que alberga una de las colecciones de gaitas y de instrumentos tradicionales más importantes de Europa? ¿Cuándo has visitado el Muséu del Pueblu d'Asturies por última vez?, ¿estás al corriente de sus actividades y propuestas? ¿Sabes tocar la gaita? ¿Crees que valoramos a los Grandes de nuestra historia y cultura asturiana como se merecen? ¿Te gusta la música tradicional asturiana?






miércoles, 21 de mayo de 2014

GEMA LLAMAZARES GALERÍA DE ARTE: ALFONSO ALBACETE "ESCENARIOS".





"Una obra de arte tiene muchos niveles de lectura. El primero, el estético, funciona durante el mismo tiempo en el que tiene sentido la narrativa que lo generó. Pero, cuando se trata de un clásico, la obra sigue funcionando aunque para el espectador los hechos que describe no signifiquen ya nada, la pieza conserva su valor artístico".

Alsonso Albacete


"Bienaventurados los artistas que utilizan sus dones y su creatividad para expresar tanta magnificencia... Apabullante trayectoria y genialidad de uno de los artistas contemporáneos más importantes de España. ¡Grande Alfonso Albacete!".

Luis Alberto Fernández González
Historiador del Arte.





El pasado viernes, día dieciséis de mayo de 2014, se inauguró en la gijonesa -Gema Llamazares Galería de arte- la exposición "Escenarios" del pintor Alfonso Albacete (Antequera, 1950). Es la primera vez que el artista inaugura en Asturias en una galería privada, siendo una oportunidad única para dejarse seducir por la obra de uno de los más destacados representantes de la pintura española contemporánea. "Nací en Andalucía, pero me crié en Murcia. Yo siempre digo que soy de la -Costa Este-. Mi padre pintaba y a los nueve años realicé mis primeros estudios artíticos con Juan Bonafé que pertenecía a los artistas murcianos de la Generación de los años veinte y era muy amigo del poeta Juan Ramón Jiménez. Estudié Bellas Artes y Arquitectura. Mi primera exposición fue en Murcia en el año 1972. En esta primera época, mis obras eran mucho más radicales... Desde los setenta hasta ahora, no he parado. Llevaré más de ochenta expoxiciones...", desvela Albacete a "No soy digno de tu amor".

Numerosos rostros conocidos del mundo del arte asturiano y amigos del artista, que viajaron desde Madrid para acompañar a Alfonso en este día tan especial, se dieron cita en la prestigiosa galería: Carmen Castillo y Juanjo Redondo, Avelino Mallo, Ricardo Mojardín, Pedro Fano, José Ferrero, Pablo Armesto, Federico Granell, Santiago Lara, Beatriz Coto y Nuria Misert, directora de la Galería Marlborough de Madrid.






Fotografía 1391.- De izq. a drcha.: Juanjo Redondo & Alfonso Albacete & Carmen Castillo. Inauguración de la exposición "Escenarios" de Alfonso Albacete. Gema Llamazares Galería de Arte. L.A.F.G. Gijón, 2014.






Fotografía 1390.- Exposición "Escenarios" de Alfonso Albacete. Gema Llamazares Galería de Arte. L.A.F.G. Gijón, 2014.






Fotografía 1389.- Un joven contempla la obra "Ataraxia II" de Alfonso Albacete. Exposición "Escenarios". Gema Llamazares Galería de Arte. L.A.F.G. Gijón, 2014.





Las doce obras que componen la muestra “Escenarios”, todas sobre papel, han estado expuestas durante los meses de febrero y marzo en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Para esta ocasión, ha querido traer a Gijón una pequeña selección de piezas cuyo tema principal son los escenarios (lugares donde ocurren los sucesos): "A través de estos escenarios pictóricos hago visibles una serie de elementos que tengo en mente incluso desde hace muchos años. Sus formas, posición, sus diferentes significados se relacionan entre sí y dan sentido a estos cuadros". La exposición permanecerá abierta hasta el día veintiocho de junio de 2014.






Fotografía 1388.- Ataraxia II. Alfonso Albacete. Acrílico y tinta sobre papel, 100 x 124 cm. Gema Llamazares Galería de Arte. Gijón, 2014. 






Fotografía 1387.- Entorno. Alfonso Albacete. Acrílico y tinta sobre papel, 100 x 124 cm. Gema Llamazares Galería de Arte. Gijón, 2014.





"Utilizo toda la superficie del papel como si fuera un muro, incorporando en él graffitis y toda una serie de elementos y figuras que se mezclan y lo cubren..., provocando en el espectador reacciones e interpretaciones muy ambiguas. Desde una cruz de farmacia y otros elementos urbanos, bosquejos y figuras geométricas que la gente identifica perfectamente y que condicionan el cuadro, a palabras más complejas y desconocidas para la mayor parte, como Ataraxia que significa imperturbabilidad. Consistía en un estado de equilibrio que proclamaban los epicúreos que buscaban una vida feliz mediante la administración inteligente de los placeres y dolores, la ataraxia y la amistad entre sus fieles. A la vez, pinto huecos que dejan ver otras realidades por detrás: paisajes, un jarrón, nuevas figuras... Me interesa que en los cuadros existan diferentes niveles de lectura. En un cuadro no se da una sola situación, no tiene por qué tener un solo discurso...".






Fotografía 1386.- Afueras. Acrílico y tinta sobre papel, 100 x 124 cm. Gema Llamazares Galería de Arte. Gijón, 2014. 







Fotografía 1385.- El mirlo. Pastel sobre papel, 80 x 60 cm. Gema Llamazares Galería de Arte. Gijón, 2014.






Fotografía 1384.- Anuncianción. Acrílico y tinta sobre papel, 100 x 124 cm. Gema Llamazares Galería de Arte. Gijón, 2014. 





La pintura de Albacete destaca por su forma de mirar, entre figurativa y abstracta, una capacidad creativa que ha incorporado de las vanguardias artísticas sin renunciar a los sedimentos de la historia de la pintura, como por ejemplo..., las referencias a la "Anunciación" de Fra Angelico que podemos ver en esta exposición y en las que estudia la luz como principio que domina en el espacio pictórico. Gran maestro del color, crea una pintura en la que reina el orden y la geometría. Su obra ha evolucionado desde un realismo utilizado en su primera etapa, hasta llegar a una nueva figuración expresionista en la que destacan los colores fuertes y vivos con influencias del pop art y de la abstración americana. Junto a Luis Gordillo y Abraham Lacalle, es uno de los tres pintores andaluces que lleva la Galería Marlborough.

Sus obras se encuentran en importantes colecciones en todo el mundo tanto públicas como privadas: CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla; The Chase Manhattan Bank, New York; Colección Banca Lambert, Bruselas; White House Collection, Washington; Fundación "La Caixa", Barcelona; Compañía Telefónica Nacional de España, Madrid; Museo de Bellas Artes de Bilbao; Mie Prefectural Art Museum, Mie, Japón; Museo Wurth, Kunzelsau, Alemania; MNCA Reina Sofía, Madrid...






Fotografía 1383.- Alfonso Albacete & Luis Alberto. Gema Llamazares Galería de Arte. Armando González. Gijón, 2014.





NOTAS:

La exposición "Escenarios" de Alfonso Albacete, permanecerá abierta en -Gema Llamazares Galería de Arte- hasta el día veintiocho de junio de 2014. Consultar horarios.

Las fotografías números: 1384, 1385, 1386, 1387 y 1388, han sido cedidas por -Gema Llamazares Galería de Arte-. 
Las fotografías números: 1383, 1389, 1390 y 1391, pertenecen al Archivo Particular de Luis Alberto Fernández González.

Precios de las obras que aparecen en este post, consultar en -Gema Llamazares Galería de Arte-.

Textos: Alfonso Albacete para "No soy digno de tu amor" y -Gema Llamazares Galería de Arte-.

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Más información en:

http://www.gemallamazares.com/
http://www.galeriamarlborough.com/


Agradecimientos:

Gema Llamazares Galería de Arte: Muchas gracias, como siempre, por facilitarme tanto el trabajo.

Alfonso Albacete: Sencillez + talento + esfuerzo, trabajo y conocimiento = ¡Grande, Grande, más y más Grande! Muchas gracias por su colaboración en este post que esperemos logre transmitir nuestra admiración por su obra y por su persona. Deseamos también que sirva de homenaje por su contribución al Arte y a la Cultura de nuestro país. Enhorabuena por su exposición "Escenarios" que desde aquí recomendamos visitar y disfrutar. Un abrazo muy fuerte de un norteño que ama también profundamente la "Costa Este". ¡Hasta pronto!




¿Conocías las pinturas de Alfonso Albacete?, ¿qué te parecen las obras que aparecen en este post?, ¿te gusta su estilo pictórico? ¿Qué artistas contemporáneos españoles destacarías por su genialidad / creatividad? ¿Por qué son para ti tan importantes? ¿Reconocemos / Valoramos en este país a nuestros artistas? ¿Sueles visitar las galerías de arte/museos de tu ciudad? ¿Vives en Murcia?, ¿qué lugares nos recomendarías visitar?



viernes, 16 de mayo de 2014

DIEZ LÍNEAS Y MEDIA XXI: JOSÉ MIGUEL LLATA.





LA MÚSICA EN COLOR






Fotografía 1382.- La música en color. Susana Rodríguez. Gijón, 2013.





El fin de semana ha sido pródigo: charla con músicas variadas (clásicas, ragtimes, folks…), ensayos con "lieder" y "melodies", y hasta una divertida velada entre amigos con pop-rock y cánticos en un karaoke incluidos. Como broche, escuchaba en directo un concierto para violín de Max Bruch, obra que aprecio especialmente y, ensimismado..., reflexionaba agradecido sobre el regalo que es la capacidad de oir y, por lo tanto, de escuchar y disfrutar los sonidos musicales. Gracias a este don, nuestra vida se encuentra inmersa en un espectro de sonidos que la "colorean", que se unen a nuestras más intensas vivencias, que nos hacen cantar, jugar, bailar, rezar, reír... o conmovernos hasta las lágrimas. 

Es una lástima que muchas personas solo puedan apreciar una mínima parte de los múltiples matices de la gran paleta de colores de las diversas músicas, enriquecida hoy, más que nunca, por la fácil accesibilidad a todas ellas. Creo que deberíamos aprovechar más nuestra capacidad innata de escuchar y abrir nuestras mentes para evitar convertirnos en unos "daltónicos musicales".


JOSÉ MIGUEL LLATA 






NOTAS: 

© DIEZ LÍNEAS Y MEDIA 

© DIEZ LÍNEAS Y MEDIA es una sección de "No soy digno de tu amor" en la que diferentes personalidades españolas y extranjeras, y amigos/as de este blog, irán compartiendo con todos nosotros sus reflexiones, ideas, pensamientos, denuncias... Un espacio absolutamente libre y sin censura con el propósito de quedarse durante mucho tiempo. 

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© "No soy digno de tu amor" y Luis Alberto Fernández González no se hacen responsables de las opiniones, escritos y comentarios vertidos y publicados en el blog por sus colaboradores y seguidores.

La fotografía número 1382, realizada por Susana Rodríguez, ha sido cedida a "No soy digno de tu amor" por José Miguel Llata. 


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Más información:

http://www.musicantes.es/

Musicantes es una empresa fundada para la promoción de artistas españoles o residentes en España que hacen música de cámara de pequeño formato con programas en los que se busca la emoción y originalidad. A pesar de ser músicos reconocidos por su gran calidad y trayectoria profesional, prefieren estar representados por una empresa de corte más intimista, y trabajan la calidad musical por encima de otras consideraciones.


Agradecimientos:

Susana Rodríguez. Espectacular fotografía. Muchas gracias por tu colaboración en este post.

José Miguel Llata. Tuve la suerte de criarme en una familia de grandes músicos: mi abuelo praviano Isaac Fernández y mi tía Josefina fueron grandes violinistas. Mi otro abuelo fue el genial y reconocido Juan Menéndez Muñiz, "Juanín de Mieres". Ellos me hicieron sentir la música desde muy joven. Recuerdo conciertos magistrales en el teatro Arango de Gijón, en el Campoamor de Oviedo... Me gusta escuchar música: clásica, electrónica, tonada asturiana, pop ochentero, música de baile... Canciones, composiciones y melodías que, en definitiva, logran que esta vida sea mucho mejor. Gracias por tus líneas, por tu sensibilidad y amabilidad conmigo y, especialmente, por conseguir que unas miradas se hayan convertido en una buena amistad. ¿No dicen que los polos opuestos se atraen?




¿Qué te parece el texto de José Miguel Llata? En España, ¿tenemos una buena educación musical? ¿Qué tipo de música escuchas? ¿Sueles acudir a conciertos de música clásica? ¿Te gusta la ópera? Si tuvieras que seleccionar cinco canciones que han marcado tu vida, ¿cuáles serían?, ¿por qué? ¿Quiénes son tus cantantes preferidos? ¿Cuántos discos sueles comprar al año? La ciudad en la que vives, ¿ofrece una buena oferta musical? ¿Qué conciertos no vas a perderte este verano?